Teatro

Musical “Hair” volta a cartaz em cartaz no Teatro Martim Gonçalves, em Salvador: O musical Hair volta a cartaz no Teatro Martim Gonçalves de 19 a 22 de fevereiro, com sessões às 16h e às 20h e entrada gratuita, com retirada do ingresso na bilheteria do teatro. O musical reúne um elenco jovem e uma equipe técnica que abraçou o desafio de montar uma obra clássica do teatro musical em uma versão totalmente singular.

Show

Carlos Barros apresenta “Tempo de Axé” na Varanda do SESI Rio Vermelho, em Salvador: Celebrando a força, a história e a identidade da música do carnaval baiano, o músico Carlos Barros apresenta o show “Tempo de Axé – uma homenagem ao samba-reggae e à música elétrica da Bahia”, no dia 10 de fevereiro de 2026, às 20h, na Varanda do SESI Rio Vermelho, em Salvador.

Eventos

Evento cultural Eu Amo Baile Funk celebra 20 anos de resistência no Museu de Arte Moderna no Rio: Estou entrando em contato para enviar uma sugestão de pauta. Neste sábado (07/02), será realizado o evento cultural Eu Amo Baile Funk que celebra 20 anos de memória, resistência e encontros entre diferentes gerações do funk, no Museu de Arte Moderna (MAM). O evento conta com nomes como Stevie B, Tati Quebra Barraco e Mc Poze.

Sarajane realiza esquenta de carnaval com ‘Bailinho é pra você’ no Pelourinho, Salvador, domingo (8): Evento será às 16h no Largo Tereza Batista, com entrada gratuita e com a participação especial das cantoras Patricia Gomes (ex-Timbalada) e Ana Mametto.

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O elenco de 14 bailarinos –  Amanda Dalla, Bruna Nunes, Daniela Oliveira, Ferd Souza, Geise Santos, Giovana Guimarães, Luiz Dias, Maju Vieira, Mariana Farias, Nicoly Sayuri, Priscila Silva, Rafael Mattoso, Rebeca Guilherme e Wellington Dambroski – transpassa os limites da comunidade de Paraisópolis e rompe as barreiras urbanas para apresentar novos horizontes da dança.

De acordo com Monica Tarragó, a estreia de uma nova coreografia e a apresentação de uma obra do repertório reafirma insistentemente quem são os bailarinos da Cia Ballet Paraisópolis e que espaços ocupam com sua dança.

“Os coreógrafos responsáveis pelas montagens se dispuseram esticar, torcer e dançar nossas questões como companhia de dança. Do resgate da essência de viver de Danielle Rodrigues a base clássica de Christian Casarin encontramos caminhos encorajadores para os nossos bailarinos explorarem o que temos chamado de dança contemporânea. Esta que não é forma, é manifesto”, enfatiza ela.

Neurônios e música eletrônica

Em Ser, Danielle Rodrigues convoca o espectador a mergulhar nos complexos processos e caminhos que os seres humanos se propõem diariamente, transformando sentimentos e experiências em uma obra que resgata a essência do viver.

Inspirada por um período de desânimo em relação à vida, à dança e à arte, a coreógrafa encontra na criação o caminho para se redescobrir, a partir do limbo, da inércia e do vazio, rumo a um processo de cura e transformação. Usando a função dos neurônios como premissa para a concepção do trabalho, a obra conduz a uma sequência de intensas transições emocionais, onde os neurônios em choque, com suas sinapses desenfreadas, culminam em sensações de exaustão, temor, inseguranças e agonias.

“Com um corpo urbano e plural e sem movimentos óbvios, os bailarinos da companhia levam para a cena as subjetividades que nos atravessam todos os dias. As várias vertentes da vida e suas memórias trazem à tona a vulnerabilidade, o caos e a essência inerentes a cada ser”, explica a coreógrafa.

Já Vortex, é uma coreografia original de Christian Casarin, que utilizando o conhecimento técnico e a agilidade dos bailarinos, leva o virtuosismo do treinamento do ballet clássico para reorganizar estruturas tradicionais, alternando e misturando códigos do vocabulário da dança. Com música original composta por DallaNoras, que serve como fio condutor para criar um contraponto entre disciplina e tradição numa paisagem sonora eletrônica, a obra coloca no centro os bailarinos e suas experiências, permitindo uma recomposição corporal e rítmica.

“Voltar com a obra ao palco do Teatro Sergio Cardoso é dar continuidade não só a minha pesquisa dentro da linguagem do ballet clássico, mas também poder vivenciar o crescimento desta jovem companhia que vem cada vez mais consolidando sua trajetória dentro do cenário da dança de São Paulo”, conta Christian Casarin.

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Realizada em parceria com o Terreiro Contemporâneo, a curadoria da mostra é assinada por Marcelo Campos e Amanda Bonan, com os curadores assistentes Amanda Rezende, Thayná Trindade e Jean Carlos Azuos, além dos curadores convidados Ricardo Brandão e Gatto Larsen, que foi parceiro de vida de Barbot.

A exposição ‘Dança Barbot!’, que conta com fotos, vídeos, figurinos e elementos cênicos que mostram os caminhos artísticos do bailarino e coreógrafo ao longo de sua carreira, ficará em cartaz no Museu de Arte do Rio até 31 de agosto de 2025.

O bailarino e coreógrafo é natural do Rio Grande (RS), e começou seus estudos em dança em Porto Alegre, em 1967, com João Luiz Rolla. Complementou sua formação na Escola de Ballet Contemporâneo de Buenos Aires, e em 1990 fundou no Rio de Janeiro, a Cia. Rubens Barbot Teatro de Dança, a primeira companhia negra de dança contemporânea do país, voltada à valorização da cultura afro-brasileira.

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Uma história de luta e perseverança pelo sonho de brilhar nos palcos com a sua arte, fez com que Mercedes Baptista, tornasse sua trajetória um marco histórico para a dança brasileira, tendo se tornado a primeira bailarina negra a integrar o corpo de baile do Theatro Municipal do Rio de Janeiro, um dos mais importantes palcos do país

O espetáculo sobre a Bailarina e coreógrafa que revolucionou a dança contemporânea no Brasil, quebrando barreiras e inspirando gerações, ficará em cartaz de quinta a sábado, às 20 horas, e domingos às 19 horas, no teatro Domingos Oliveira, na Gávea.

A peça tem direção artística de Luiz Antônio Rocha e texto assinado por Ivanna Cruz, Luiz Antônio Rocha e Pedro Sá de Moraes, coreografias de Diego Rosa e Cenário e Figurinos de Eduardo Albini. Também estarão em cena as musicistas e atrizes Geiza Carvalho e Regina Café. A montagem conta com iluminação de Ricardo Fujii e mais de 90% da ficha técnica do projeto é composta por artistas e técnicos negros, atuantes na cena cultural brasileira. 

O musical resgata ritmos como o Jongo, a Mana Chica e ancestralidade dos ritmos trazidos da África pelos antepassados africanos, escravizados e retirados à força de suas terras e seus laços familiares e culturais e impostos à diáspora dolorosa pelos portugueses que aqui dominaram e colonizaram as terras brasileiras a partir do ano de 1500. 

O repertório apresenta a preservação dessa cultura afrodescendente e dos sons que remetem à memória, o que tanto Mercedes fez e conseguiu, seguida anos depois pela sua conterrânea, Ivanna Cruz, que percorre o mesmo caminho. As duas, nascidas em Campo dos Goytacazes, nunca desistiram mesmo com a imposição de todas as formas de racismo existentes na sociedade. 

O diretor artístico, Luiz Antonio Rocha, aponta que Mercedes Baptista foi e é a pedra fundamental da identidade afro-brasileira na dança influenciando várias gerações de artistas e movimentos culturais. Valorizou a identidade negra dando visibilidade, respeito às mulheres e combate ao racismo. “Sua história nos inspira, além de homenageá-la, vamos resgatar ritmos que estão desaparecendo como o Jongo e a Mana-Chica (RJ). O projeto tem como referência a cultura e a arte popular influenciadas por matrizes culturais de povos afro diaspóricos”, afirma o diretor.

O espetáculo será encenado em quatro Estados brasileiros, Espírito Santo, Maranhão, Minas Gerais e Rio de Janeiro, em teatros de suas capitais e por quilombos de cada um desses Estados citados. O objetivo é circular por equipamentos culturais e Quilombos com ações afirmativas, inclusivas e que reconheçam o valor cultural de cada território.

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O festival de dança “O Corpo Negro”, um dos maiores do gênero no país, começa neste domingo (28). O evento, realizado pelo Sesc RJ, chega a sua quarta edição com espetáculos criados e executados por artistas negros e negras, selecionados por um edital afirmativo. Serão mais de 60 atrações gratuitas, em 9 municípios do estado.

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Com espetáculos de dança, shows, mostra audiovisual, oficinas e debates, a programação se estenderá até 31 de maio nas cidades do Rio de Janeiro, Niterói, São Gonçalo, Nova Iguaçu, Barra Mansa, Volta Redonda, Nova Friburgo, Petrópolis e Teresópolis. Os espetáculos serão apresentados em unidades do Sesc RJ, escolas e universidades e espaços públicos.

Todas as atividades são gratuitas, com a retirada dos ingressos nos espaços com lotação limitada. Confira a programação detalhada no site www.ocorponegro.com.br.

“Nesta quarta edição, o projeto apresenta vogue, funk, afro, hip hop, samba, charme e outros gêneros. O Sesc RJ reafirma o seu compromisso com a pluralidade e com o protagonismo negro na dança, em todas as suas dimensões, diversidade e repertórios. Procuramos garantir políticas culturais com continuidade e consistência, visando possibilitar o crescimento de uma sociedade consciente e atuante, que busque relações étnico-raciais em bases justas e equânimes”, afirma André Gracindo, analista técnico de Artes Cênicas do Sesc RJ.

Serão apresentadas obras de 32 grupos, oriundos dos estados do Rio de Janeiro, da Bahia, Ceará, Espírito Santo, Goiás, Maranhão e São Paulo. A abertura do próximo domingo – véspera do Dia Mundial da Dança – contará com uma performance na Praia de Copacabana às 16h, do grupo DeBonde, que vai ocupar o calçadão, na altura da Rua Figueiredo de Magalhães, com o espetáculo “Debandada”.

A intervenção que atravessa e é atravessada pela rua. Seis dançarinos com suas potencialidades e diferenças passam, arrastam, sustentam, rabiscam e ocupam os espaços urbanos, convidando o público a dançar.

A abertura oficial do projeto acontecerá na próxima terça-feira (30/4), às 20h, no Sesc Tijuca. O evento contará com a presença dos artistas da programação, dos curadores convidados Diego Dantas, Gal Martins e Jaílson Lima, e do público em geral. Será uma noite em homenagem a Mestre Manoel Dionísio, criador da Escola de Mestres-salas, Porta-bandeiras e Porta-estandartes, no Rio de Janeiro, que forma novos bailarinos e preserva os repertórios da dança e do carnaval há mais de 30 anos. No encontro, também será lançado o documentário curta-metragem “Dionísio, um mestre”, realizado pela coreógrafa, diretora de teatro e realizadora audiovisual Carmen Luz.

“O filme é uma oportunidade para que o público conheça o pensamento, a arte e a pedagogia de Mestre Manoel Dionísio e possa celebrar – como faz o filme – a sua existência, mas também, refletir sobre arte e resistência. É um filme que dá prosseguimento à minha pesquisa sobre o corpo negro criador e produtor de danças no Brasil. Tenho feito filmes sobre e com essa gente com G maiúsculo, num processo de escavação e proposição a fim de reescrever a história da dança, tão cheia de páginas em branco”, declarou Carmen Luz.

O festival vai oferecer ao público 10 espetáculos inéditos, que saíram do papel por meio do edital lançado no ano passado pelo Sesc RJ para seleção da programação do evento. Entre as estreias nacionais, está “O Som do Morro”, no qual o coreógrafo carioca Patrick Carvalho narra a própria história. Entre os becos e vielas, o premiado bailarino apresenta seu jeito genuíno de coreografar.

Outra estreia é a da performance “Vogue Funk”, que mistura baile funk com os elementos da cultura ballroom, trazendo a periferia negra e LGBTQ+ para o centro do palco. A história de personalidades da dança brasileira também está representada em “Isaura”, espetáculo idealizado e performado por Aline Valentim. O trabalho conta a história da bailarina, professora e coreógrafa Isaura de Assis, uma das grandes referências das danças negras no estado.

Além das estreias, outros espetáculos que não estiveram nos palcos Rio de Janeiro serão recebidos pelo festival. Uma delas é a obra coreográfica “PADÊ”, de Djalma Moura, criador do Núcleo Ajeum, sediado na periferia de São Paulo. Na apresentação, os bailarinos são instigados a externalizar desejos e pulsões para criar uma dança ebó, que arrasta mazelas físicas, emocionais e espirituais que ainda corrompem meninos e meninas negras e induzem aos seus extermínios.

Atrações para os pequenos – Pela primeira vez, o festival terá uma programação dedicada ao público infantil, concentrada no Sesc Tijuca. Entre os destaques, a estreia do espetáculo “A Menina Dança”, que com ritmos e danças africanas e cantigas apresenta a menina Maria Felipe, numa coreografia que aborda o enfrentamento à colonização do país. Outra estreia é o espetáculo “Gbin”, da Cia Xirê (RJ), que aborda matrizes afrodescendentes na cena da dança contemporânea.

Embora a ênfase seja na dança, o festival O Corpo Negro terá uma programação paralela com música, filmes e outras atividades integradas. Haverá shows de música com Jonathan Ferr, um dos nomes mais celebrados da nova geração do jazz brasileiro, na abertura, além do dançante Baile Black Bom, e rodas de samba em várias unidades.

A mostra audiovisual vai oferecer ao público mais de 65 sessões de filmes. Entre as obras, será exibido o documentário “Othelo, O Grande”, que aborda a vida e obra de um dos maiores atores e comediantes do Brasil, que rompeu barreiras imagináveis para um ator negro na primeira metade do século XX, trabalhando com nomes incontornáveis do cinema mundial. Também será exibido “Diálogos com Ruth de Souza”, que apresenta um rico material da vida de uma das grandes damas da dramaturgia nacional, a primeira artista brasileira indicada ao prêmio de melhor atriz em um festival internacional de cinema.

O documentário de Ruth de Souza terá uma sessão de pré-estreia aberta ao público, no dia 8 de maio, às 19h, na Cinelândia, em frente ao Theatro Municipal, no Centro do Rio. A sessão de cinema gratuita e ao ar livre é organizada pelo CineSesc.

O público infantil também terá sessões exclusivas durante o festival. Serão exibidos, em sequência, dois curtas: “Idu – O Astronauta Masaai”, que estreia na mostra do evento e narra as aventuras do personagem por mundos a partir de uma favela do Rio, e “Geração Alpha”, que apresenta Rebeca, uma menina apaixonada pela leitura que tenta convencer o vizinho e melhor amigo, Marcelo, a ler um livro.

O festival promoverá ainda outras atividades, como debates e bate-papos, após todas as apresentações, oficinas de dança, intercâmbio entre artistas e uma jornada acadêmica, além da produção de artigos e ensaios.

Encerramento – A programação audiovisual seguirá até 31 de maio, mas o evento de encerramento do festival vai ocorrer no dia 26 de maio, no Viaduto de Madureira, importante centro de concentração popular, na Zona Norte do Rio, que difunde a cultura negra, conhecido pelo tradicional Baile Charme. O encerramento iniciará às 14 horas, em parceria com o evento Wakanda in Madureira. Música, dança, literatura e empreendedorismo negro são a tônica deste encontro.

“O corpo negro, sua presença, é estruturalmente sucateado pelo racismo. Portanto, colocá-lo em cena, protagonizando seus modos de pensar, sentir, criar, mover é fundamental na luta contra as produções de subalternidades. A produção de dignidade que passa pela valorização e afirmação desses profissionais faz parte do que é essencial naquilo que fazemos. Ter o Sesc RJ e o Wakanda juntos é uma alegria, é ter a oportunidade de potencializar nossas ações no caminho de um mundo mais diverso e produtor de dignidade para todos. Nossos deuses dançam!”, celebra Raymundo Jonathan, produtor de Wakanda in Madureira.

Espetáculos de todo o país selecionados por edital afirmativo  

As atrações do festival O Corpo Negro foram selecionadas, pelo segundo ano, por meio um edital público afirmativo de dança para todo o Brasil. Lançado no ano passado, foram destinados R$ 850 mil às produções. O projeto está tirando do papel 10 espetáculos de dança e 2 curtas-metragens, além de promover a circulação de artistas de outros estados por espaços no Rio de Janeiro. Para Diego Dantas, curador convidado desta edição, a diversidade e amplitude do edital é um dos pontos fortes do projeto.

“É um acerto do Sesc RJ investir no corpo negro e em suas práticas de excelência em dança, oportunizando o desenvolvimento estético de agentes que souberam estruturar e manter suas presenças no projeto com escrita, autonomia e produção cênica de alto nível. São artistas com diferentes trajetórias, idades, vindos de territórios distintos fortalecendo e sendo fortalecidos, honrando os mais velhos e pessoas que vieram antes, construindo referências para os mais novos e pessoas que virão”, conclui o curador.

SERVIÇO

Festival de dança O Corpo Negro

Data: 28/4 a 31/5

Cidades: Rio de Janeiro, Niterói, São Gonçalo, Nova Iguaçu, Barra Mansa, Volta Redonda, Nova Friburgo, Petrópolis, Teresópolis

Programação: www.ocorponegro.com.br

Entrada franca

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Neste sentido, o Notícia Preta conversou com a produtora cultural, Kirce Lima, sobre como as produções periféricas podem ganhar espaços e editais para que as produções sejam abraçadas por essas oportunidades e que possam também abrir novos caminhos. 

Segundo ela, é preciso que os artistas e produtores pensem em primeiro lugar nos seus territórios, de onde eles vem, e pensem também naqueles produtores que não conseguem ter o mesmo acesso. 

“Existe uma parcela muito grande de artistas e produtores que não são atendidos, é uma realidade e tem espaço pra muita gente inovar nesse meio. Cultura é o espaço onde trocamos vivências, experiências, práticas, culinárias, linguagens, talvez vai ser desse grande encontro realizado no seu território que surja seu empreendimento”, explica. 

Kirce, que é fundadora da eLabore.kom, que surgiu no meio da pandemia para levar soluções a esses artistas, disse que as pessoas periféricas precisam ser estratégicas, mas, muitas vezes, é preciso deixar esse respeito de lado para seguir com o sonho.

“Às vezes preciso passar por cima e pensar em outros atalhos, criar estratégias para não ser boicotada, tentando sempre pensar duas casinhas à frente. Não é fácil ser empreendedora, uma vez que você precisa pensar o seu negócio e, paralelamente, existem outras realidades que caminham juntos com o empreendimento que não podem ser esquecidas, como maternidade”, pontua.

Mãe de quatro filhas, Kirce lembra que ela precisa estar bem para cuidar bem das suas filhas e manter seu empreendimento funcionando corretamente. “São quatro meninas em formação, que precisam de atenção, manter minha saúde física e mental, que levou um tempo para eu entender isso como prioridade, minha a fé para seguir nesse mundão. Enfim, pensar nessa dinâmica de equilibrar tudo, é uma loucura, dá pane às vezes, mas, no final, acredito que começar essa ideia de negócio foi a melhor movimentação que podia ter feito naquela fase e que perpetua até hoje”, celebra.

Trabalho e produções

Kirce Lima trabalha com produtores periféricos e reforça que é de grande importância o contato com todos eles porque se torna um negócio, mas também é um espaço de acolhimento. “É literalmente o movimento do pássaro sankofa, olhando pro passado e tentando projetar um futuro melhor não só para mim, mas para os meus também”, diz. 

“Eu sempre digo, que o ‘pobre’ ele sempre quer pagar, só não sabe como. Eu coloco o valor do serviço em uma realidade que seja viável para o cliente e para eLabore, sugiro algumas formas de pagamento e com isso vou fechando negócios e novos clientes”, completa. 

As produções culturais periféricas são expressões culturais originadas e desenvolvidas em áreas marginalizadas das grandes cidades ou regiões urbanas. Estas produções frequentemente surgem em contextos de desigualdade social, econômica e política, onde as comunidades enfrentam desafios cotidianos, além da falta de acesso a recursos culturais e educacionais. 

Sendo assim, “sempre explico que o projeto é um investimento pessoal dele, que também precisa se organizar e apostar nesse projeto. Do lado de cá eu mostro caminhos possíveis para realização dele e quanto custa nosso trabalho. Foi assim que fomos crescendo nesses três anos, com muita clareza e honestidade”, afirma Kirce Lima.

Ela também avalia a evolução da eLabore como empresa e todos os cenários que ela já enfrentou, principalmente nas produções de dança, que são o carro chefe da produtora. 

“Apesar do nosso trabalho ser abrangente dentro do setor cultural, os projetos de dança são os mais procurados para os serviços de elaboração, produção e gestão financeira. Acredito que, por ser um segmento menos assistido e fomentado como teatro, por exemplo, nesse sentido a procura é muito grande para estarem com a gente”, analisa.

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A produtora lembra também que o acolhimento é um dos diferenciais da eLabore, uma vez que existe uma gama muito grande de profissionais que exercem a mesma função que ela no mercado. “Além do serviço, sempre buscamos criar momentos bacanas com o cliente como enviar as lembrancinhas de final de ano, presentear no dia do aniversário, celebrar no último dia de espetáculo com um buffet incrível. Pode parecer bobeira, mas muitas vezes produzimos os nossos projetos ou estamos em outros e não temos acesso a isso”, explica.

“O trato é sempre o melhor possível, esse é o nosso lema. Isso também para a equipe, vejo como um time, são meus amigos, precisam se sentir bem fazendo o que fazem. Acredito que atenção para o elemento Humano, é o nosso diferencial”, finaliza.

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Em entrevista exclusiva ao Notícia Preta, Chloe e Maud, que estiveram no Brasil no início desse ano e que ao longo da carreira já trabalharam com grandes nomes internacionais como Beyoncé, falaram do impacto do projeto, nas crianças beneficiadas. “Nós acreditamos que a arte salva vidas, que salvou
as nossas vidas. Acho que traz pra elas autoestima, confiança, comunidade, espaço seguro fora de casa, mesmo que eles não tenham esse lugar em casa, elas sabem que a escola de dança é um lugar seguro“, disse Maud.

Chloe conta que começou a dançar aos 6 anos, em Washington (DC), mas que antes disso, a relação das duas com a dança já havia começado. “Nossa mãe dançava então ela nos colocou, mas
ela se deu conta de que a gente tinha uma paixão por percussão e sapateado. Então quando eu tinha 9 anos e eu vi o filme TAP e foi muito inspirador quando eu vi Gregory Hines. Vimos ele na tela e um ano depois viu ele pessoalmente em DC“, conta.

De acordo com a bailarina, encontrar o seu ídolo, vê-lo dançar de perto, a inspirou. “O jeito que ele se comunicava através do sapateado era algo que eu queria fazer pra minha vida. Então minha mãe começou a procurar todas as oportunidades gratuitas para aprender e praticar sapateado porque não tínhamos muito dinheiro quando éramos criança“.

Ao longo da carreira, um dos artistas com quem as irmãs trabalharam, foi nada mais nada menos que a cantora Beyoncé. Segundo Chloe, a experiência foi incrível. “Ela é como uma alma gêmea para a gente, no sentido de que ela carrega os mesmos valores, a mesma paixão e amor por ajudar os outros, de trabalhar duro, de seguir seus sonhos e abrir as portas para outros para fazerem o mesmo. Então quando passamos um tempo com ela foi muito empoderador, e nos fez saber e acreditar mais ainda em nós mesmas como mulheres pretas“.

Depois de tantos mentores e aprendizados, as irmãs decidiram compartilhar seus conhecimentos, com os outros. Em 2009 as bailarinas realizaram o primeiro DC TAP FESTIVAL, mas o trabalho social com a dança começou oficialmente em 2013, e atualmente elas são responsáveis pela Chloé and Maud Foundation. Como duas mulheres negras, levando autoestima e capacitação para crianças, em sua maioria negras também, Maud explica um dos valores que os trabalhos sociais, promovem.

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“É difícil ser algo que você não vê. Para muitos desses jovens pretos, eles não veem pessoas pretas bem sucedidas próximas a eles ou viajando o mundo. Então eles precisam de nós para saberem que é possível pra eles também“, explica a sapateadora. Em seguida, sua irmã completa, afirmando que apesar das dificuldades, as crianças desenvolvem outras aptidões por conta da dança e das oportunidades.

“Também temos histórias engraçadas, como a da Manuela, que aprendeu inglês para poder falar conosco. E quando olhamos para alguém como o Giuliano, fruto de 15 anos de investimento, que agora está conquistando uma carreira de sucesso, capaz de devolver para o Brasil de uma maneira que é real e além do que podemos fazer porque ele é daqui. Acho incrível ver o impacto real e imediato e também ver o impacto a longo prazo. E isso nos motiva e nos deixa empolgadas em nosso propósito“, conta Chloe.

Relação com o Brasil

As irmãs, que promovem trabalhos sociais em vários países, já podem ver os resultados do seu trabalho em alunos brasileiros como Manuela e Giuliano. No Brasil, o projeto de Chloe e Maud Arnold, “Tap into life”, funciona em Madureira, bairro da Zona Norte do Rio de Janeiro. No início deste ano, as sapateadoras estiveram no Brasil para ver de perto a ação social.  

Mas além de Madureira, ambas pensam em levar a iniciativa para outros lugares. “Nós inspiramos a expandir mais o nosso programa para que mais crianças possam experienciar essa alegria, o senso de comunidade e o senso de realização. E é importante para nós ir até o bairro em que eles moram, para que não pensem que temos medo de onde eles vivem, e que saibam que somos parte da comunidade deles também“, explica Maud, que confirma que pensam em levar o “Tap into life” para o Vidigal (RJ) e Salvador (BA).

Segundo a Maud, a ponte entre o trabalho delas e o Brasil aconteceu em 2003. “Ganhei uma bolsa no ensino médio para escolher um país no mundo para passar o verão para aprender sobre a cultura e fazer trabalho voluntário. Eu escolhi o Brasil. Podia ter escolhido França, Inglaterra, Quênia, mas alguma coisa sobre o Brasil me tocou“, conta a bailarina, que continua:

“Quando vim aqui com 17 anos, eu simplesmente me apaixonei pelo país. As pessoas são tão alegres e carinhosas, tão família e comunidade. Depois quando vim em 2009 pela primeira vez para dar aula, eu apenas senti: Uau, essa é a minha galera!’. Então eu posso dizer que a conexão é bem genuína e real. Talvez por causa das nossas raízes, porque temos ancestralidade preta aqui“, explica.

Assim como a irmã, Chloe comenta o sentimento de acolhimento que tem com o Brasil. “É o primeiro lugar que me senti em casa, sendo uma pessoa preta. Vindo ao Rio onde tem tantas pessoas que se parecem comigo, onde eu senti que compartilham da mesma ancestralidade africana, valorizando o senso de comunidade, cultura, dança como linguagem parte da vida. Esses valores conversaram comigo“.

Para ela, essa aproximação cultural a incentivou a compartilhar com os bailarinos brasileiros, o trabalho que elas já desenvolviam em outros lugares do mundo.

“Quando eu conheci os alunos daqui, com quem eu pude ver que tem a mentalidade, a alegria, e todas as coisas que eu amo, me fizeram querer tornar possível compartilhar com eles o sucesso que eu estava tendo. Quando começamos a nossa fundação, nós não tínhamos muito sucesso, tínhamos apenas um
pouco. Mas à medida que fomos crescendo queríamos ter a certeza que outros iriam crescer com a gente“, explica Chloe.

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O Festival Ajeum é um projeto independente contemplado com edital público, concebido por Djalma Moura e pelo Núcleo Ajeum, que se dedica a linguagem da dança e suas conexões. As inscrições são gratuitas, para artistas de todo o Brasil e podem ser realizadas através do formulário. O festival contempla ainda as categorias de vídeo performance, trabalhos em processo de criação e pesquisa e oficinas. 

As inscrições estão disponíveis no link. Os cachês variam de R$800,00 a R$ 6000,00, dependendo da categoria de inscrição.

Uma grande mostra artística que viabiliza a integração entre cultura, economia criativa e território, criando uma facilitação de encontros e reflexões entre arte, público e periferia na construção de memórias que possam atingir diversas gerações.

Uma das características do festival enquanto construção de memória é a escolha de narrativas que direcionam o olhar curatorial da programação, como dar foco em figuras importantes para a história da cultura e arte negra no Brasil enquanto característica de reverenciar tais personalidades que dedicaram suas pesquisas e atuações na construção da identidade negra nas artes.

O primeiro Festival Ajeum contou com  um olhar sensível, ético e político para a Rainha Kambinda, a eterna ancestral Raquel Trindade.

Para a segunda edição, o festival terá como reverenciada Mercedes Baptista, a primeira bailarina negra a integrar o corpo de baile do Theatro Municipal do Rio de Janeiro. Fundadora de um modo de pensar dança negra contemporânea no Brasil, Mercedes criou uma escola de formação em dança, além de ter inaugurado a primeira Cia de dança negra do país, o Ballet Folclórico Mercedes Baptista, fundado em 1953. A artista também atuou no Teatro Experimental do Negro, sob orientação de Abdias do Nascimento, figura importante na história da arte negra no Brasil e que atuava por diversas frentes artísticas, políticas e sociais.

As ações fazem parte do projeto “Festival Ajeum: Raízes de Mercedes Baptista” contemplado no Edital PROAC Nº 37/2023 – Cidadania Cultural – Cultura Negra, Urbana e Hip Hop, realizado pela Secretaria da Cultura, Economia e Indústria Criativas do Governo do Estado de São Paulo. 

Informações: www.nucleoajeum.com, www.facebook.com/nucleoajeum e @nucleoajeum

Serviço:  Inscrições para o Festival Ajeum

Categorias de Inscrição:

Grupos/Cias/Coletivos (a partir de 4 pessoas em cena – trabalhos de dança para espaço cênico, rua ou espaços alternativos) – cachê R$ 6.000,00

Solos/Duos/Trios (trabalhos de dança, teatro e/ou performance, para espaços cênicos, rua ou espaços alternativos)  – cachê  R$ 3.000,00

Vídeo Performance (trabalhos com foco em videodança e/ou vídeo arte de até 20 minutos) –  cachê R$ 1.500,00

Trabalhos em Processo ( trabalhos em dança ou teatro que estejam em processo de criação e pesquisa a fim de ser experimentado de forma pública – de até 20 minutos) –  cachê R$ 1.000,00 – Para os Trabalhos em Processo haverá dois pesquisadores da cena convidados para mediar uma conversa acerca do processo no sentido de contribuir com a caminhada estética do trabalho.

Oficinas (compartilhamento de práticas em diversas linguagens artísticas com duração de até 2h) – cachê  R$ 800,00

Show Musical (blocos, voz e violão, banda, entre outros formatos) – cachê R$ 5.000,00

Inscrições: https://docs.google.com/forms/d/e/1FAIpQLSfnuIgDNdtL4ATUywomZ3_8rOdomGO1EN0xFqS-UGVNu-809A/viewform

Resultado da seleção: data 15/03/2024 – será divulgado por email e nas redes sociais do Núcleo Ajeum

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O Disney+ acaba de anunciar o início das gravações de mais uma série Disney+ Original Production brasileira exclusiva da plataforma: Passinho: O Ritmo dos Sonhos. Produzida pela Boutique Filmes, a produção apresentará o famoso passinho, tipo de dança originária do funk carioca que se popularizou em 2010.

A série conta a história de Mercedes (Giulie Oliveira), filha de bailarinos e apaixonada por dança, que tem o sonho de mostrar seu talento no Duelo do Passinho, importante competição interescolar deste movimento de dança, no Rio de Janeiro.

Para isso, ela precisa participar de um grupo e, até então, a única saída seria entrar para o Bonde dos Brabos, os melhores dançarinos da escola e que sempre foram os únicos representantes, da instituição, no concurso. Mercedes duela com Lucão (Fumassa Alves), o líder dos Brabos, mas apesar de ter vencido, não é aceita na equipe por ser menina. Essa é a gota d´água para ela montar seu próprio bonde e, com a ajuda de Dida (Digão Ribeiro), inspetor da escola, mas também um relíquia do Passinho, ela vai fazer de tudo para vencer a seletiva e representar a escola no, tão esperado, Duelo do Passinho. 

Dirigido por Jéssica Queiroz (diretora também da série Mila no Multiverso e do documentário Vidas de Carolina, entre outros trabalhos) e Marton Olympio (Autor de Cidade dos Homens, Sequestro Relâmpago, Anderson Spider Silva, e diretor de A Dona da Banca, e produtor de Anderson ).

ELENCO

Além de Giulie Oliveira, Fumassa Alves e Digão Ribeiro, outros grandes nomes estarão presentes na trama, entre eles: Duda Pimenta, Tatiana Tiburcio, André Ramiro, João Victor Menezes e João Gabriel D’Aleluia.

POR TRÁS DAS CÂMERAS 

Além de diretor, Marton Olympio atua também como roteirista junto deRafael Leal, Evelin Estevam, Marcelo Lima e Susan Kalik, com colaboração de Bruna Christine. A produção contará com sete episódios com cerca de 30 minutos cada e as gravações serão iniciadas em fevereiro de 2024, no Rio de Janeiro e em São Paulo. 

A série conta também com um excelente e relevante time de profissionais composto por: Edson Damazzo (Bibiu), que assina a Direção de Coreografia da série (além de ser Diretor de Coreografia da Ludmilla, Lexa, Valeska e MC Daniel). VN Brabo, coreógrafo de Passinho da série (ele faz parte do ballet do cantor Kevin O Chris, é Diretor Artístico da Companhia de Dança e Teatro Afro Black do Rio de Janeiro e campeão Redbull com Conde Reis da Dança).

Lilis Soares, que assina a Direção de Fotografia da série (e já assinou a fotografia de filmes como: Mami Wata, A Melhor Mãe do Mundo, Nosso Lar 2, Ó Pai Ó 2, entre outros). Bel Xavier,que assina a Direção de Arte (e já assinou a mesma função nos trabalhos Das ruas de São Paulo para o mundo – Racionais, Um Ano Inesquecível – Outono e Meu Amigo Hindu). Celly I.D.D., consultora de Passinho e Cultura da série. Ela é referência do movimento e fundadora do “Grupo Corre”, uma das primeiras companhias de Passinho, além de atuar na cena da dança como Consultora Artísticas e Cultural, coreógrafa, DJ, MC e beatmaker e Tejo Damasceno, supervisor musical da série que já foiindicado ao Hollywood Music Awards na categoria Trilhas de Docusséries para TV.

O produtor ficou à frente da trilha sonora de grandes produções, como Elis & Tom – Só Tinha de Ser Com Você, O Rei da TV (disponível no Disney+ e Star+) e Funk.doc com a KondZilla.

REPRESENTATIVIDADE

A Boutique Filmes, em parceria com o Projeto Paradiso, e apoio da Disney, traz, também, para a produção da série o Programa Shadow, que tem como objetivo investir no aumento da representatividade de profissionais negros nos níveis de liderança, contribuindo para a formação do profissional, a aquisição das competências necessárias e visando ampliar as chances de empregabilidade na área de produção. 

O Programa Shadow está alinhado aos objetivos de Diversidade, Equidade e Inclusão da The Walt Disney Company e ao compromisso da iniciativa Disney Future Storytellers, da companhia, que oferece inspiração e treinamento para jovens que serão os futuros profissionais da indústria criativa promovendo o acesso a oportunidades para comunidades sub-representadas, ajudando a formar uma força de trabalho representativa e respeitosa. O profissional Bartolomeu Luiz foi escolhido para participar dessa iniciativa como shadow de Produção Executiva.

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Com performances de alto nível que incluem todos os estilos e ritmos urbanos, os melhores dançarinos do Brasil serão selecionados através das etapas qualificatórias, que acontecem no dia 16 de março na cidade de São Paulo, no Centro Cultural São Paulo; no dia 13 de abril em Salvador, no Largo Tereza Batista; e no dia 20 de abril em Belo Horizonte, no Centro de Referência das Juventudes (CRJ). Todos os eventos das etapas classificatórias serão gratuitos e quem escolhe os vencedores é o público.

As inscrições podem ser realizadas através do site: redbull.com/danceyourstylebr.

“O tamanho do Brasil se reflete também na enorme diversidade e riqueza cultural que temos, possibilitando que as expressões artísticas ganhem ‘temperos locais’. E o mais curioso de observar isso é entender o quanto essa riqueza cultural afeta os estilos de danças urbanas, principalmente porque a grande maioria delas – como o Hip Hop, Popping e Locking– não surgiram no Brasil“, diz Pedro Brum, dançarino e produtor audiovisual, que continua:

“O que acontece é que quando esses estilos chegam aqui, na nossa riqueza de diversidade, eles se mesclam com a nossa cultura popular local e vira algo novo e ainda mais potente que só o Brasil pode proporcionar”, diz ele, que, ao lado de Raquel Cabaneco, coreógrafa do rapper Djonga e integrante do ballet da cantora Urias, faz a curadoria do evento no Brasil.

Do hip hop ao house, do locking ao popping, a pista de dança de Red Bull Dance Your Style é embalada pela trilha sonora de sucessos imprevisíveis e as habilidades de freestyle e musicalidade dos participantes são testadas através deste elemento surpresa.

Nas batalhas, os participantes competem no formato 1×1, sem saber qual música irá tocar – por isso, a capacidade de improviso do dançarino é um elemento-chave para se destacar. É preciso mostrar muita personalidade, originalidade e qualidade técnica – e vence quem der o melhor show, mostrar o seu estilo e conquistar o voto majoritário da plateia. Os dois ganhadores das etapas qualificatórias seguem para a final nacional na capital paulista.

“Para mim o Red Bull Dance Your Style é a criação de um espaço onde temos vários estilos e dançarinos competindo, se divertindo no palco – porque essa é a grande proposta do evento – e disputando quem tem carisma, desenvoltura com o público e domínio da pista. E essa competição dá essa possibilidade para a gente ver isso no âmbito internacional e conhecer um pouco de cada estilo com o tempero do local, de cada cultura e cada país e, assim, a gente vai tendo essa troca linda. As expectativas para essa terceira edição estão altíssimas, acredito que esta vai ser a maior edição de todas!”, completa Pedro.

Em 2023, o título nacional ficou com o dançarino especialista em passinho André DB, que representou o País na Alemanha. Já na primeira edição, em 2022, a vencedora foi Darlita Albino, atualmente coreógrafa da cantora Gaby Amarantos e dançarina da equipe de Pabllo Vittar e Drik Barbosa, que viajou até a África do Sul para tentar chegar ao lugar mais alto do pódio global. Neste ano, o vencedor brasileiro representará o país na final mundial em Mumbai, na Índia.

SERVIÇO 

Red Bull Dance Your Style 2024

– Link para inscrições: redbull.com/danceyourstylebr 

– Seletiva São Paulo: 16/03

– Seletiva Salvador: 13/04

– Seletiva Belo Horizonte: 20/04

– Entrada: Gratuita

Conheça o Red Bull Dance Your Style:

O Red Bull Dance Your Style é um evento global de dança de rua com um formato de batalha único. Do hip hop ao house, do locking ao popping, os dançarinos que participam da competição precisam encantar o público para ganhar seu voto. Com freestyle, musicalidade e habilidade colocados à prova por meio de músicas mainstream imprevisíveis, que vão de sucessos globais recentes a batidas clássicas, o torneio faz com que a multidão decida quem vai dominar a pista de dança.

> Para mais informações sobre o evento, confira aqui.

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